| ORIGEN E HISTORIA DEL ENSAMBLAJE EN EL ARTE
Origen del Concepto
“Assemblage” es un proceso artístico en el cual se consigue la tridimensionalidad colocando diferentes objetos no artísticos muy próximos unos a otros. Hay que recalcar que estos objetos de los que se componen estas obras comparten la característica de que no han sido diseñados con fines estéticos sino que han sido redescubiertos por los artistas quienes los incorporan a sus obras, de manera conjunta o de forma individual, para lograr expresar un mensaje o emoción. El “assemblage” es una técnica hermana del collage.
El “collage” es una técnica artística que consiste en ensamblar elementos diversos en un todo unificado.
Viene del francés “coller”, que significa pegar. En pintura, un ‘Kollaje‘ se puede componer enteramente o solo en parte de fotografías, madera, piel, periódicos, revistas, objetos de uso cotidiano, etc.
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EL PRINCIPIO COLLAGE: Cuadros y construcciones.
- La pintura europea dedicada a los objetos.
Cézanne: Trata la complejidad de la naturaleza reduciéndola al cilindro al cilindro, el cono y la esfera.
Picasso en 1912 hizo un descubrimiento trascendental el colocar un trozo de hule impreso con una rejilla de caña sobre un pequeño cuadrito ovalado.
Pablo Picasso, Naturaleza muerta con silla de rejilla, París, mayo de 1912. Al pegar en el lienzo un trozo de hule impreso se iniciaba el collage, es decir, la presencia del objeto real en el ámbito de la pintura. La obra, de pequeñas dimensiones es perfectamente "manejable".
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Básicamente, los cubistas en vez de reproducir la apariencia del objeto, esperaban penetrar en lo que Platón (y Picasso) llamaba la “idea” subyacente y lo que Kant llamó “Das Ding an sich”, o la cosa en sí misma. En otras palabras, en lugar de reproducir aspectos más o menos accidentales o parciales de la realidad, aspiraban a representar la misma realidad, heredada de la nueva concepción del tiempo y del espacio planteada por Einstein para la época. La ilusión óptica sería substituida por la “visión real”; la “mentira” de la percepción visual, por la definición de una nueva realidad global.
“Definir una cosa significa poner la definición en su lugar”, decía Braque. Así, la definición de una cosa es la cosa en sí misma
Estas obras, “collages y papiers collés”, no tenían una intención irónica ni pretendían despreciar al arte del pasado como el de los dadaístas y surrealistas de un período posterior. Más bien representaban elementos visibles y tangibles de la realidad, “cosas en sí mismas”, que así se introdujeron al arte.
Además, los materiales no estéticos – Braque pronto empezó a utilizar arena, virutas de madera y cordel – ofrecían una oportunidad para conseguir un efecto de profundidad sin recurrir a la perspectiva prohibida, ya que una superficie se puede construir a la manera de un bajo relieve, en que los planos avanzaban o retrocedían sólo por medio del contraste entre sus valores cromáticos o de texturas.
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| "Portrait d´une jeune fille americaine dans l´etat de nudite" Retrato de una joven americana en estado de desnudez |
La vida surrealista de las cosas
¿Como aparece el objeto ante los surrealistas?
 SALVADOR DALÍ Chaqueta afrodisíaca 1936, chaqueta de esmoquin con vasos de licor, camisa y pilastrón en una percha, 88 x 79 x 6 cm. |
Los surrealistas criticaron fuertemente lo que Dalí llamó el Método paranoico-crítico de acceso al subconsciente para mayor creatividad artística. |
Marcel Mariën, L´introuvable, 1937. Este es un "falso objeto encontrado"
cuya finalidad es provocar en el espectador ese choque poético que perseguían a los surrealistas.
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(El zapato surrealista) Salvador Dalí, 1931. Objeto escatológico de funcionamiento simbólico |
Se convierte en un punto de referencia del movimiento surrealista. Dalí utilizaba más la fijación de imágenes tomadas de los sueños, según Breton, «...abusando de ellas y poniendo en peligro la credibilidad del Surrealismo...». Inventó lo que él mismo llamó «método paranoico-crítico», una mezcla entre la técnica de observación de Da Vinci por medio de la cual observando una pared se podía ver como surgían formas y técnicas de frottage; fruto de esta técnica son las obras en las que se ven dos imágenes en un sola configuración. Luis Racionero apunta que "en los cuadros de la época 1928-34 el paisaje y la luz del Ampurdán, tienen una importancia decisiva. (...) Si el surrealismo de Dalí supera el de Tanguy o de Chirico es precisamente porque estos tienen que buscar las imágenes dentro de ellos mismos, mientras que Dalí las tenía a la vista: sólo le faltaba combinarlas de manera paranoico-crítica (...)
La reproducibilidad técnica ha cambiado la obra de arte. Benjamin, ya en los años 30 denuncia la cultura de masas.
El arte ha sido separado de su fundación cultural. En la litografía ya no vemos el momento creativo, ni esa totalidad oscura que nos estremece y deleita a la vez, ni la trascendencia que tiene la autenticidad de la obra única. Lo que parecía que iba a liberar la obra, la reproducción, y hacerla autónoma, la encadena, la destierra de su autenticidad y le quita la posibilidad de ser interpretada. Lo que Benjamin nos está explicando es de qué manera se pasa de una contemplación individual a la contemplación masiva que favorece la distracción, y cómo eso es fácilmente utilizable por el fascismo en la estetilización de la política. Lo que podría “democratizar” el arte haciendo llegar la cultura a todos los sitios gracias a la facilidad de copia, también puede encerrarnos en un fascismo sin retorno, en el que todos seamos idénticos, y en el que el valor artístico – y su función – tan sólo esté al servicio del poder. No se trata, por lo tanto, de estar a favor o en contra de la técnica, sino de atender tanto a sus posibilidades como a sus peligros.
